Сегодня нашим собеседником стал Алексей Веселовский — художник, основатель лаборатории и галереи экспериментальной художественной печати ПиранезиLAB, преподаватель НИУ ВШЭ.

С Алексеем мы поговорили о начале художественного пути, об открытии мастерской, о печатном методе, планах на развитие ПиранезиLAB, о графике на российском арт-рынке, персональной выставке в пространстве ЦТИ Фабрика, а также по традиции попросили дать советы молодым художникам. Обо всем этом — читайте в новом интервью!

Расскажите о начале Вашего художественного пути?

В моей жизни всё было четко предопределено. Вся мужская половина моей семьи — физики и ученые. Тогда как женщинам отводилась роль в искусстве и культуре: бабушка была певицей, мама — художницей, прабабушка — скульптором. Искусство стало моим осознанным выбором. Все-таки я больше визуал.

Все шло по привычному сценарию. Сначала подруги матери помогли мне подготовиться к художественному училищу. Затем я поступил в Суриковский институт — там я проучился довольно долго, так как брал академический отпуск и уезжал в Америку. Тогда же я влюбился в искусство печати, это стало для меня настоящим увлечением.

В училище я изучал промграфику, в то время так именовался графический дизайн. Логика выбора обучения была такова: в советской реальности ремесло — это верный кусок хлеба. Так и оказалось: в девяностые годы, когда все пошло вразнос, я начал на этом зарабатывать — эта область долгое время меня кормила. Сначала был просто дизайн, затем я открыл дизайн-студию, рекламное агентство, а потом и типографию. Все направления объединились и скрутились в один клубок.

Я довольно долго этим занимался, хотя художник внутри страдал от подавленности. Потому что любой бизнес требует полной отдачи, как и искусство. Я, конечно, делал выставки и участвовал в различных мероприятиях, и это время нельзя назвать потерянным. С начала 2000-х годов я все больше втягивался в бизнес. В какой-то момент там появилось офсетное производство, потом филиалы, и с увеличением штата до 150 сотрудников стало совсем тяжело. К тому же я понял, что то, что производит современная типография — продукт, живущий очень короткую жизнь, почти любая рекламная продукция или упаковка через минуту после использования летит в мусорное ведро. Мне стало не по себе от осознания, что я потратил 15 лет на обучение, но не использую свои знания на практике, не передаю их дальше. На этом фоне у меня появились студенты, и я начал преподавать вместе с Борисом Трофимовым в его мастерской. Это был курс дизайна, который мы расширили практической типографикой для дизайнеров. В итоге, типографию я продал, а рекламное агентство передал своему партнеру.

В какой-то момент директор ЦТИ Фабрика — Ася Филиппова — предложила мне открыть свою мастерскую в пространстве, где сейчас находится ПиранезиLAB. Мастерская открылась в 2015 году. Первые месяцы все она существовала в полноги, но потом я понял, что справляться одному становится сложно — мне нужны были помощники. Тогда я опубликовал пост в сейчас запрещенной соцсети и, на удивление, получил около трехсот репостов. Я решил собрать всех, кто откликнулся, и организовать встречу, чтобы все эти люди познакомились друг с другом. У меня была точная модель того, как я хотел, чтобы мастерская функционировала. Я видел, как такие конструкции работают в Америке и начал восстанавливать связи с американскими и европейскими коллегами, они помогли мне скорректировать некоторые идеи. Хотелось создать профессиональную мастерскую, работающую с опытными художниками. В английском языке существует понятие «collaborative printmaking» — коллаборативная печать. Для меня это своего рода художественная практика, близкая к концепции реляционного искусства.

А что это в практическом смысле из себя представляет?

Для художника печатный метод — это расширение оптики, визуального и пластического вокабуляра. Важно отметить, что печать — это не непосредственное взаимодействие художника с создаваемым образом, там всегда существует посредник в виде матрицы. Художник сначала создает матрицу или участвует в процессе ее создания, а затем, благодаря различным методам переноса изображения, образ воплощается на поверхности запечатываемого материала. Это может быть традиционный перенос через давление, как в классическом эстампе, или более современные технологии, как в цифровых печатных машинах, — таких способов много. В зависимости от используемого метода, конечный результат может существенно изменяться.

Многие художники в нашей стране не обучены печатным методам. Поэтому всегда нужен проводник — специалист или помощник, который объяснит, как все устроено и в чем смысл создания печатного произведения. Очевидный смысл — реплицирование и тиражирование. А на самом деле — печать дает огромный набор сложных пластических и изобразительных приемов, вдобавок к магии одномоментного получения изображения. Копировать и тиражировать можно многими способами, не обязательно при помощи печати, и в таких случаях искусства, как правило, уже нет. Важно четко понимать разницу между репродукцией и оригинальным авторским произведением. Мы в ПиранезиLAB занимаемся не репродуцированием, мы создаем уникальные произведения, в которых тираж (или отказ от тиражности) становится новым языком для художника.

Поп-артисты, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, начали работать с массовым продуктом и массовым сознанием, что придало печати новые смыслы. Одной из задач мастера-печатника является роль языкового партнера для художника — объяснение возможностей языка медиума. В этом контексте есть очень тонкая грань между кураторской позицией и ролью своего рода коуча. Вы помогаете художнику, но не заменяете его в процессе — вы объясняете, как можно пересобрать его работы. Мастер-печатник должен обладать множеством «субспособностей»: помимо художественного видения , это и навык психолога, умение отойти в сторону в нужный момент, чтобы дать художнику возможность проявить себя, умение давать подходящие художественные и технические советы. Для меня это абсолютно художественная практика.

Спустя девять лет, как можно описать, что из себя представляет ПиранезиLAB?

Сейчас ПиранезиLAB достиг уровня стабильной, крепкой и профессиональной печатной мастерской, которая сотрудничает с ведущими художниками.

К сожалению, в России не так много именно профессиональных, коммерческих, существующих независимо печатных студий. Наша мастерская зарабатывает деньги на собственных издательских продуктах. Иногда мы выполняем заказы и делаем коллаборации, в основном с институциями, иногда с частными лицами.

Вы представляете своих художников на ярмарках, ПиранезиLAB можно назвать галерей?

Мы уверенно движемся в этом направлении, поскольку вступили в Ассоциацию Галерей, и я даже стал членом правления этой Ассоциации. В ПиранезиLAB
мы занимаемся созданием издательских продуктов. Естественно, такие проекты нужно как-то позиционировать и потом продавать. И все мои попытки найти узкоспециализированную галерею, которая могла бы полноценно, качественно представлять нас, пока не увенчались успехом.

Поэтому мы решили сами заняться галерейно-коммерческой историей. Наша модель галереи все-таки отличается от традиционной: мы не галерея-комиссионер, а скорее галерея-продюсер. Это означает, что мы продаем только те работы, которые сами напечатали и которые созданы совместно с художниками, работающими в мастерской. Как правило мы не принимаем работы на комиссию и не представляем авторов, хотя иногда пробуем это делать в определенных случаях. Мы понимаем, что галерея не должна быть слишком узконаправленной, но на данный момент мы придерживаемся именно продюсерского подхода.

Если рассматривать ПиранезиLAB как бизнес целиком и полностью, то это в первую очередь продюсерская компания, занимающаяся созданием и продажей собственной уникальной художественной продукции.

Как Вы думаете, возрос ли интерес к графике на российском арт-рынке в последние годы?

Мне кажется, что в этой области действительно все развивается, и мы приложили к этому немало усилий. Я абсолютно уверен в том, что капля камень точит — когда ты делаешь направленные, уверенные и осознанные действия регулярно и в одном направлении, это приносит результат. Мы продолжаем работать в этом направлении, и сейчас меня поддерживают коллеги из Ассоциации Галерей. Мы, например, разрабатываем специальный документ по ценообразованию в печатном искусстве. Да, действительно есть ощущение, что отношение к этой области искусства становится менее предвзятым и непонимающим.

Как к Вам попасть молодым художникам?

У нас есть проверенная история — это грант ПиранезиLAB, где мы тесно интегрированы в работу ЦТИ Фабрика. Мы фактически находимся под одним ДНК— это важная составляющая нашей реальности. Поэтому первый способ попасть к нам — это подать заявку на наш грант, который рассматривает жюри. Грант дает художнику отличный шанс проявиться, стать видимым и реализовать значимый проект. В этом году с нами сотрудничала Аня Комарова. Это — верный, достойный и наиболее правильный путь. Но есть и другие истории, например, путь долгого знакомства. Никон Филиппов — тому пример.

Какие планы у Вас в этой области на ближайший год?

Планы у нас остаются неизменными: мы внимательно следим за рынком и за художниками, которые в нем есть. В настоящее время мы участвуем в шести российских ярмарках в год и планируем добавить к ним несколько зарубежных — это часть нашего галерейного развития. Кроме того, мы занимаемся коллаборациями. Как галерея, мы регулярно организуем выставки. Мы стараемся проводить выставки в моменты, когда у нас есть паузы в проектах. К сожалению, текущие проекты у нас очень большие и затянутые, и поэтому сложно выстроить стабильный выставочный план. На данный момент выставочная деятельность — для нас все еще вторичная история. То есть галерейная работа в значительной степени остается побочной. Мы размышляем о том, как дальше развиваться: либо прекратим заниматься галерейным бизнесом и найдем подходящих партнеров, либо выделим галерейную деятельность в самостоятельную структуру. Это может быть как с отдельным пространством, так и без него, но с четкой программой взаимодействия со зрителем.

Как Вы себя сами определяете?

Я, прежде всего, художник. Однако в моей жизни есть и другие ипостаси, — и это серьезная проблема. Художник, который вынужден делить себя с чем-то другим, всегда страдает. Я страшно завидую тем, кто умеет заниматься только искусством. Некоторые, конечно, часто совмещают это с кураторской деятельностью, но, в моем случае — это и кураторство, и бизнес, и продюсирование, коллекционирование и некоторые аспекты галерейной работы. В результате, получается этакий ком всего, и мне, как художнику, от этого не очень уютно.

Есть ли у вас Artist Statement, на чем вы сосредоточены?

Я долго размышлял над этим вопросом и пришел к такому пониманию: художник в XXI веке занимается, прежде всего, рефлексией своего существования. От переживания собственного опыта до работы с вопросами экологии или с темными материями. В любом случае, в центре всего стоит сам художник, который обдумывает свое место в мире и свои отношения с понятиями искусства.

Мои инструменты для этой рефлексии — в первую очередь, графический язык и печать как метод его передачи. Это может быть и фотография, и инсталляция. Важен вопрос того, с какой позиции мы наблюдаем этот мир — и слово «наблюдатель» здесь имеет огромное значение.

О чем ваша текущая выставка в пространстве ЦТИ Фабрика?

Я рассматриваю свою выставку как космогоническую программу — это размышление о хаосе и порядке, о мироначалах, которое осуществляется посредством графики и инсталляции. Графика воплощена на бумаге, дереве и в керамике. Башня — центральный образ, который меня долго преследовал — как символ стремления вверх, как Вавилонская башня или любое вертикальное сооружение. Там будут работы, которые я создавал 30 лет назад. Однако это не ретроспектива: некоторые наблюдения я показывал, некоторые — нет.

Какие советы молодым художникам вы можете дать?

Относиться к искусству и к тому, что ты делаешь, как к серьезной, ответственной и постоянной работе. Заниматься искусством эпизодически — недопустимо. Искусство — это не проект, это постоянная рефлексия относительно своего места в мире. Надо иметь регулярную художественную практику.

Художник должен создавать много работ, чтобы действительно выработать свой стиль и найти собственный путь. Настоящие художники маниакально преданы своей практике.

Еще один совет — быть максимально требовательным к себе. Примеры больших художников показывают, что высокие требования, самоконтроль и саморефлексия имеют решающее значение.