Владимир Потапов — один из ведущих современных российских художников, куратор и преподаватель современного искусства. Известен своей концептуальной работой с живописью, результатом которой является «пространственная живопись»: многослойные картины, в которой автор создает слоистую красочную структуру и путем выскребания краски формирует фигуративное изображение.

Работы художника находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Музея современного искусства г. Краков (МОСАК), Московского музея современного искусства, Музея современного искусства PERMM, Музея современного искусства им. Сергея Курехина (Санкт-Петербург), Фонда современного искусства К.Сорокина и В.Смирнова.

В этом учебном году Владимир Потапов стал новым руководителем магистерского профиля «Современная живопись» в Школе дизайна НИУ ВШЭ, а в середине сентября открылась его персональная выставка «Обе белые» в галерее pop/off/art.

Мы поговорили с Владимиром о том, как важно найти свой путь в искусстве, о молодых художниках, и, конечно, о его новом выставочном проекте, который можно увидеть прямо сейчас.

Расскажите, как Вы пришли в искусство?

Я никогда не планировал становиться художником, более того, первое образование у меня экономическое. На третьем курсе я решил систематизировать свой рисунок (я увлекался рисованием на лекциях на последних страницах тетрадей) и записался на курсы, которые оказались подготовительными в художественный ВУЗ. В конце года были вступительные экзамены, и я подумал — почему бы не попробовать их сдать? Таким образом, я оказался на живописном отделении Института искусств им. Серебрякова (Волгоград). С этого момента все стало серьезно, я попал в среду, начал общаться с профессиональными художниками, преподавателями, стал ориентироваться в общей истории искусств, в системе координат современного искусства, и это все меня сильно поглотило. Я понял, что это совсем другая Вселенная. В 2008 году я переехал в Москву, и здесь произошел ощутимый апгрейд всех моих умений, знаний и представлений об искусстве.

У Вас очень узнаваемый стиль. Впервые увидев ваши работы в одной из галерей, я безошибочно начала узнавать их в следующие разы. Были ли какие-то переломные моменты в вашем творчестве, которые сформировали сегодняшний стиль?

Безусловно, это был переезд в Москву, учеба в Институте проблем современного искусства им. Бакштейна, потом в школе Свободных мастерских при ММСИ. В 2012 году я познакомился с Владимиром Дубосарским. Он произвел на меня неизгладимое впечатление как художник, профессионал и личность. Я до сих пор его очень люблю, ценю и уважаю. В 2018 году у нас с ним состоялась персональная выставка на Винзаводе в Цехе Белого. Для меня это была большая честь и очень интересно, как мы с ним, два таких разных автора, смогли показать свои работы в рамках одной выставки. Так что встреча с Дубосарским — это знаковый для меня момент. В целом, я постоянно занимаюсь самообразованием, я всегда работаю над проектами, сериями, то есть на чем-то одном я не зацикливаюсь, у меня постоянно идет живой процесс, экспериментирование в мастерской, развитие своего творческого стиля.

Был ли у Вас опыт работы в резиденциях и что он Вам дал?

Я был в резиденции в Будапеште в 2016 году, а прошлым летом — в швейцарской резиденции в Альпах. Резиденции – это хорошая история, но пребывание там, на мой взгляд, не всегда вдохновляет на что-то новое. Скорее это элемент нетворкинга, смены контекста, обмена представлениями об искусстве, встречи с новыми людьми. Это позволяет посмотреть под другим углом на себя, получить какие-то впечатления, которые могут сподвигнуть на какие-то открытия в своем искусстве, невозможные в привычном контексте.

Какой основной message Вашего творчества?

Мне интересно наблюдать за тем, что происходит вокруг меня, то, что формирует мое представление о времени. Та самая — большая, но одновременно личная история, внутри которой я нахожусь. Это мне интересно отображать по-честному, искренне, без самоцензуры. Отражать свое время, находить его суть, его нерв, какой-концентрат. И второе, это конечно, каким-то интересным, важным, острым, художественным языком это все воплощать. Чаще всего, меня, конечно, интересует живопись. Живопись, как некий универсальный вневременной язык, который все еще таит в себе огромный потенциал. И для меня важно разрабатывать свой уникальный живописный язык для того, чтобы с его помощью реализовывать те или иные проекты и серии. Поэтому что я считаю, что выразительный язык, и та тема, которую я использую, должны друг друга гармонично дополнять и таким образом давать некую синергию, какую-то третью сущность в итоге. Это большая история, большие исторические события, которые меня окружают, воздействуя на меня, искусство в виде живописного медиума, по которому я просто фанатею, без относительно того, как это оценивается. Мне это нравится, я знаю, что я занимаюсь своим делом и нахожусь на своем месте.

А были ли какие-то сомнения в начале пути? Все же Вы достаточно резко поменяли сферу деятельности.

Нет. На каком-то базовом уровне я готов был заниматься этим всегда, без оглядки на успех. А когда стал получать определенные знаки того, что я все делаю правильно, кому-то это еще и начало нравится, всё стало еще более приятно.

Как Вы относитесь к популярной сейчас теме коллаборации художников и бизнеса?

Скорее отрицательно, если в этом нет какой-то интересной художественной истории. Как например в коллаборациях Энди Уорхола, которые являлись прямым продолжением его художественной деятельности, где он рефлексировал по обществу потребления и новому миру вообще.

В новом учебном году Вы стали куратором профиля «Современная живопись» магистерской программы в Школе Дизайна НИУ ВШЭ. Как Вы к этому пришли?

В начале весны мне позвонил Владимир Дубосарский и предложил занять его место. Я подумал, что мне было бы интересно, тем более что преподаванием я занимаюсь уже 4 года в творческих мастерских в Третьяковке, а в Московском музее современного искусства вел курсы живописи. И, наверное, готов этим преподавать уже и на более серьезной платформе.

Традиционный вопрос, что посоветуете читающим нас молодым художникам? Как заявить о себе в мире искусства?

Понятно, что надо учиться, надо изучать историю искусств, теорию и практику, заниматься постоянно самообразованием, чтобы иметь, действительно, чистый взгляд на происходящие процессы. Потому что сегодня просто писать и рисовать недостаточно.

Мы живем в эпоху интернета и социальных сетей, поэтому рассказать о себе несложно. Если ты делаешь интересные вещи, к тебе будет внимание, это лишь вопрос времени. Делать какие-то механические усилия по продвижению своей карьеры — довольно вторично. Я иногда сталкивался с художниками, делающими достаточно посредственные вещи, но активно использующими PR-инструменты. Это все мертворожденное и на долгой дистанции работать не будет. Тут важно сосредоточиться на том, что ты говоришь этому миру, а не на то каким способом встроиться в текущую иерархию. Безусловно, очень важно институциональное образование, потому что это не только знания, но и еще некая точка входа в арт-мир.

Это нетворкинг, попадание в среду, где ты очень быстро шлифуешься, быстро прощаешься с некоторыми странными представлениями об искусстве. Но самое важное, повторюсь, это качество художественного высказывания.

Расскажите, где ваши работы можно увидеть прямо сейчас?

В Московском музее современного искусства на Петровке проходит групповая выставка «Единицы измерения». Это коллекция Александрова, там есть моя работа. И 12 сентября открылась моя персональная выставка «Обе белые» в галерее pop/off/art. Название выставки отсылает к известному советскому психологическому эксперименту с черной и белой пирамидкой. Все участники по предварительной договоренности с организаторами утверждали, что представленные перед ними пирамидки одинакового цвета. Об условиях эксперимента не знал только один человек, и несмотря на то, что пирамидки были черными и белыми отвечал, как большинство. Эксперимент показал одинаковый результат и у детей, и у взрослых.

Выставка имеет трехчастное высказывание. Первое — это работы 2014 года, которые я показывал на выставке «Проявление» и ее основной лейтмотив заключался в том, что мы находимся во времени, когда скрытые политические и социальные изменения начинают становиться публичными. Второй корпус работ, это работы, которые я условно называю «белой живописью». В этой монохромной серии я просто выцарапываю грунт до холста, используя аскетичные средства для формирования изложения. В третьей серии можно увидеть небольшого формата работы, сделанные при помощи жженой бумаги советских обоев и залиты эпоксидной смолой.
Все работы можно будет увидеть на выставке в галерее pop/off/art до 15 октября.