Героиня рубрики Artist talk сегодня - художница Ирина Дрозд. Ирина родилась в 1983 году в г. Ржев, окончила Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию им А. Л. Штиглица, является членом художественного объединения "Непокоренные", о котором мы не раз упоминали в материалах об авторах и институциях Санкт-Петербурга.

В самых узнаваемых работах Ирины нельзя не заметить уникальную мифологию вокруг персонажей и существ, неизменно присутствующих в историях, которыми она делится в своем творчестве. Этих персонажей и многое другое обсудили с Ириной в нашем интервью.

Ирина, расскажите, пожалуйста, про начало Вашего творческого пути - как Вы решили стать художником?

Мне всегда нравилось рисовать и что-то делать руками. Самый запомнившийся пример - мебель для Барби из картона, с декоративными элементами из высушенной и прессованной соломы. Солому я собирала в деревне, сушила между страницами книг, прессовала и делала из нее разные фигуры для украшения столиком и столешниц. Этот подход я, кстати, недавно использовала в одной из своих инсталляций с монстрами в проекте с Фондом MaxArt в 2020 году.

Когда мне было 15-16 лет, традиционно встал вопрос о том, куда поступать после школы. Многие мне советовали идти в области точных наук, а мама предлагала стать врачом - сидеть в белом халате и чистом кабинете.

Мне эти идеи совсем не откликались - ни врачом, ни офисным работником я становиться не хотела.

Единственной альтернативой для себя я видела путь художника и решила поступать в художественное училище. Я помню, именно там педагог по композиции нам сказал очень правильную вещь. О том, что мы, художники, все выбрали свободу, но за нее надо платить: отсутствием постоянной оплачиваемой работы, стабильности, но зато может случиться так, что вы выстрелите. Но может быть и так, что кто-то из нас выстрелит, станет известным и проживет интересную жизнь. Я в тот момент очень этими словами прониклась и приняла для себя, что это непростой, но важный путь.

Давайте об этом еще поговорим, о балансе финансовой устойчивости и творческом выражении. Как художнику выдерживать его?

Я, если честно, не верю в деление искусство на коммерческое (“под продажу”) и некоммерческое. Я убеждена, что все, что называет себя некоммерческим искусством, на самом деле просто хочет подороже продаться. Продать можно все, что угодно: любые медиа сейчас находят финансовое признание, и на каждый сегмент есть свой покупатель.

Самое главное, чтобы художник осознавал, какой язык, медиа для него подходит больше всего, с помощью чего он сможет выразить свою идею наиболее полно - и только основываясь на этом делал выбор, с чем ему работать, а не на том, что будет проще продать.

Продолжая разговор о жанрах и медиа, расскажите о ваших монстрах - как пришли к такой форме сторителинга? Такого увлекательно-устрашающего, полуреального, что одновременно притягивает и пугает?

Думаю, что эти герои возникли из увлечений из детства. Вся мифология вокруг этих монстров для меня всегда связана с какими-то миниатюрами домов, коробочек - того, чем я так увлекалась в юном возрасте.

Любую историю художник всегда рассказывает, пропуская ее про себя. То, что я рассказываю зрителям через этих монстров - это чаще всего красота, смешанная с распадом, контраст детской красоты и полуфантастическими монстрами. Их можно даже назвать аллегорией на взрослых людей, в которых мы время от времени можем превращаться.

Это рефлексия на тему детства и ощущение взросления. Для меня очень интересно исследовать тот момент и состояние, когда ребенок, из открытого всему и наивного существа, превращается во взрослого человека, порой потребителя, с присущим многим цинизмом. Меня эта история очень цепляет, и в работах с участием она находит выражение через эти контрасты.
Я в себе всегда стараюсь не потерять этого ребенка, который может радоваться всему, что угодно - не бояться быть наивными, не бояться своих страхов, да даже не бояться бояться, тех самых монстров под кроватью.

Насколько мы знаем, вы уже некоторое время живете в Венгрии. Поделитесь опытом - как выстраивать отношения с локальной арт-сценой после переезда?

Я думаю, что в любой стране алгоритмы для этого применимы одни и те же: ходить на мероприятия, знакомиться с галеристами, художниками, рассказывать о том, чем вы занимаетесь, находить пересечения и общие интересы. Это часто приводит к совместному участию в групповых выставках, а с них обычно и начинается погружение и рост.

Заниматься веерными рассылками по галереям, на мой взгляд, смысла нет. Галеристы получают по несколько писем такого рода в день, и на глубокий контакт тут рассчитывать не стоит. При личном знакомстве гораздо проще понять, подходите ли вы с площадкой друг другу, и оттуда уже развивать совместные идеи и планы.
Сейчас, конечно, все стало несколько сложнее. Но искусство в любом случае остается искусством, и, несмотря на политическую ситуацию, через него по-прежнему можно передавать универсальные смыслы, не связанные ни с гражданством, ни с национальностью.

В завершение хочется попросить совета для начинающих художников - что, как вам кажется, важно держать в фокусе для творческого роста?

Советую лишь делать все, что возможно в данной точке времени и пространства - все, что зависит от тебя. Не складывать лапки, не опускать руки, продолжать работать - пожалуй, в этом весь секрет.

Делать только то, что идет изнутри, что тебя действительно трогает. Выражать именно то, что ты не можешь не сказать - это точно зацепит зрителя и будет востребовано. Я уверена, что создавать что-то мертвое, из порыва “это хорошо продается” - это путь тупиковый. Ведь зритель к искусству приходит за эмоциями, а если работа создавалась скорее из расчета, чем из чувств, их и у зрителя точно не возникнет.
________________________________
Фотографии в материале предоставлены Ириной Дрозд