Расскажите, с чего все начиналось?

Все началось с того, что я закончила экономический факультет МГУ и попала в инвестиционный фонд, который занимался приобретением акций промышленных предприятий. Одним из предприятий стала фабрика технических бумаг “Октябрь”, которую спустя несколько лет мне предложили возглавить. Заниматься производством в историческим центре Москвы уже в то время (2004 год) было нецелесообразно ни по экологическим, ни по логистическим соображениям, поэтому довольно быстро встал вопрос о том, во что эту площадку трансформировать, как ее использовать. И в этот момент уже сыграл свою роль мой интерес к современной культуре, визуальному искусству, и знакомства в этой сфере.

Проконсультировавшись со своими друзьями, я решила попробовать открыть на фабрике выставочный зал. Так был запущен процесс перехода от индустриального производства к креативным индустриям, от промышленного предприятия к креативному кластеру и культурному центру - ЦТИ Фабрика.

Наша выставочная история началась в 2005 году открытием специального проекта Первой Московской биеннале современного искусства – «No comment?». За ней последовали другие проекты - “Искусство на войне” совместно с Московским Домом Фотографии, “Саркофаг” Валерия Кошлякова — это вызвало большой интерес среди творческих людей из разных сфер культуры, и поэтому довольно быстро к выставочному пространству стали присоединяться инициативы в области неконвенционального театра, современного танца, документального кино. Так был открыт наш Актовый зал, программа которого строилась из современного танца, документального кино, анимации и инди-музыки. Очень быстро благодаря прекрасному менеджменту он стал культовым местом для молодежи и всех любителей актуальной культуры.

Постепенно Фабрика стала развиваться как полноценная  институция с фокусом на поддержку процесса производства смыслов через культуру. Появились программы поддержки современного искусства, одна из первых в России резиденций для художников, программа «Фабричные мастерские» для авторов старше 35 лет, проект для локальных сообществ «Войти и разрешить». С 2010 года мы поддерживаем студентов и выпускников художественных школ, помогая им делать выставки. В 2024 году эта программа получила название «Сцепление».

И вот так, довольно быстро, пролетело 20 счастливых лет — за эти годы фабрика завоевала себе репутацию.пространства эксперимента,  превратилась в устойчивую и авторитетную институцию в поле современного искусства.

А что это в практическом смысле из себя представляет?

Для художника печатный метод — это расширение оптики, визуального и пластического вокабуляра. Важно отметить, что печать — это не непосредственное взаимодействие художника с создаваемым образом, там всегда существует посредник в виде матрицы. Художник сначала создает матрицу или участвует в процессе ее создания, а затем, благодаря различным методам переноса изображения, образ воплощается на поверхности запечатываемого материала. Это может быть традиционный перенос через давление, как в классическом эстампе, или более современные технологии, как в цифровых печатных машинах, — таких способов много. В зависимости от используемого метода, конечный результат может существенно изменяться.

Многие художники в нашей стране не обучены печатным методам. Поэтому всегда нужен проводник — специалист или помощник, который объяснит, как все устроено и в чем смысл создания печатного произведения. Очевидный смысл — реплицирование и тиражирование. А на самом деле — печать дает огромный набор сложных пластических и изобразительных приемов, вдобавок к магии одномоментного получения изображения. Копировать и тиражировать можно многими способами, не обязательно при помощи печати, и в таких случаях искусства, как правило, уже нет. Важно четко понимать разницу между репродукцией и оригинальным авторским произведением. Мы в ПиранезиLAB занимаемся не репродуцированием, мы создаем уникальные произведения, в которых тираж (или отказ от тиражности) становится новым языком для художника.

Поп-артисты, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, начали работать с массовым продуктом и массовым сознанием, что придало печати новые смыслы. Одной из задач мастера-печатника является роль языкового партнера для художника — объяснение возможностей языка медиума. В этом контексте есть очень тонкая грань между кураторской позицией и ролью своего рода коуча. Вы помогаете художнику, но не заменяете его в процессе — вы объясняете, как можно пересобрать его работы. Мастер-печатник должен обладать множеством «субспособностей»: помимо художественного видения , это и навык психолога, умение отойти в сторону в нужный момент, чтобы дать художнику возможность проявить себя, умение давать подходящие художественные и технические советы. Для меня это абсолютно художественная практика.

Что было оказалось самым сложным в процессе?

Было две больших задаи. Во-первых, любить современное искусство — это не значит понимать все тонкости выставочного процесса. И в этом смысле любовь у меня была, а понимание приоритетов деятельности, того, как и зачем делаются выставки — пришло со временем. А во-вторых, Фабрика всегда была самоокупаемой организацией, нас никто не спонсировал. Фабрика не могла похвастаться прекрасными оборудованными пространствами, нужно было работать с теми помещениями, которые были. Промышленные цеха хороши по-своему, но это совершенно не значит, что они удобны для экспонирования произведений искусства.

Была ли у вас в начале некая модель развития Фабрики или все происходило органично?

Фабрика развивалась постепенно. Команда набиралась опыта и выстраивала тактику, исходя из анализа сильных и слабых сторон. Например, я довольно быстро поняла, что в силу месторасположения и наших финансовых возможностей не было смысла соперничать с выставочными площадками, которые находились в центре Москвы. Соответственно, стоило сконцентрироваться на других аспектах и этапах художественного процесса. И мы сосредоточились на производстве, лабораторных экспериментах, создании мастерских для художников, на том, чтобы давать возможность авторам пробовать, рисковать. Реальность диктовала нам это направление.

А как пришла идея создать мастерские для художников 35+?

Этой идеей я обязана Елене Куприной-Ляхович.Она давала мне советы, когда мы открывали первый выставочный зал. Именно она посоветовала ориентироваться на возрастной диапазон “mid-career”, то есть художников, вышедших из категории “молодых талантов”. Действительно, к этому возрасту люди из студентов, которые еще нащупывают свой язык, ещё пропитаны цитатами из лекций и книг, превращаются в самостоятельных авторов, осознанно формулирующих свои высказывания. На мой взгляд, взрослые зрелые художники уж точно не менее интересны, чем молодые, и определенно заслуживают поддержки.

У авторов, работающих в рамках фабричных мастерских, организуется итоговая выставка?

Да, в сессионной части программы фабричных мастерских есть несколько номинаций. Первая — “Мастерская на Фабрике”. В рамках этой номинации художник получает в пользование студию, работает в ней от полугода до года и в конце показывает заявленный проект в наших выставочных залах. Вторая — “Выставка на Фабрике”. Эта номинация — для тех, кто не нуждается в пространстве для работы, но хочет показать свой проект публике. Есть номинация “Грант ПиранезиLAB”, в рамках которой художники заявляют проекты, которые задуманы и могут быть выполнены только с использованием печатных технологий. Победители получают право сделать свои работы при содействии и под профессиональным надзором Алексея Веселовского.

В фабричных мастерских художники работают, производят свое искусство и показывают здесь же. Что, впрочем, совершенно не запрещает им показывать эти проекты впоследствии на других площадках.

Сколько сейчас на Фабрике резидентов?

Около ста, и все очень разные. Преобладают представители креативных индустрий - издательство, архитекторы, дизайнеры, художники, люди, которые работают с модой.  Есть обслуживающая инфраструктура: две типографии, кейтеринг, кофейня и легендареая столовая ОГИ. Поскольку мы сфокусированы на творческом/производственном процессе, очень удобно иметь возможность создавать выставки, не выходя за пределы территории, под одной крышей, начиная с изготовления любых конструкций, заканчивая печатью пресс-релизов и афиш, и организацией фуршетов. Такая горизонтальная среда взаимодействия внутри Фабрики — между художниками и другими резидентами — очень ценна для нас.

Какие у вас планы на ближайший год?

Сейчас практически подошел к исполнению план, который мы вынашивали последние два года. Он был связан с трансформацией наших пространств- как публичных, так и сообщества резидентов. Например, частью этого плана было экстенсивное развитие издательства Ad Marginem. Еще несколько находятся на финальной стадии расширения своего присутствия, например, вдвое увеличился сьемочный павильон Московской школы кино. В части публичных /общественных пространств мы заканчиваем ремонт и переоткрываем Цех Отделки как выставочный зал . Так что все основные задачи этого этапа практически выполнены. Хочется  зафиксировать и проанализировать результаты проделанной работы, и уже после этого двигаться дальше.

Как у вас составляется выставочный план?

На год вперёд. С 2025 года мы в большей степени увязали и выстроили график в соответствии с нашими программами: Поздняя осень и зима — итоговые выставки фабричных мастерских. С мая по сентябрь — студенческие выставки программы «Сцепление». Между ними — сторонние проекты, которые поступают по инициативе кураторов и художников извне.

А Вы сами коллекционируете искусство?

Не могу назвать себя коллекционером или собирателем в том смысле, в каком сейчас принято употреблять этот термин (участие в аукционах, приобретите с целью инвестиций, выстраивание состава коллекции в соответствии с определенной концепцией и пр.). Но могу сказать, что очень люблю искусство и неизменно испытываю радость и благодарность, когда художники дарят мне свои работы — а это происходит довольно часто. Я не коллекционер, но коллекция постепенно растёт и пополняется.

А сами Вы покупали искусство?

Это бывает, нечасто. Я очень люблю графику. Она интересует гораздо больше, чем холст и масло. И всё, что я покупала, было графикой. В основном работы Никиты Алексеева, Сергея Волкова.

Что посоветуете молодым художникам?

Работа художника — это такая же работа, как и многие другие. Она требует настойчивой ежедневной практики, чтения большого количества литературы, и, безусловно, навыков общения и самопрезентации. Возможно, последнее - самое сложное, потому что есть масса нюансов, в целом определяемых правилом «что принято, что не принято». Одни галеристы не рассматривают «холодный маркетинг», когда художник рассылает свои портфолио без предварительного знакомства, другие, наоборот, не любят протекционизм и рекомендации, и т.п. и т.д. Плюс, у нас не очень развита практика активного посещения мастерских арт-дилерами для знакомства с художниками и отсмотра работ, акторы арт-рынка не очень часто ходят на выставки в другие институции Так что я просто посоветую всем художникам не ждать быстрых результатов, быть готовыми к долгой и упорной работе и найти баланс между тремя составляющими: творчеством как таковым, самопрезентацией и образованием.

*ФотографТаня Сушенкова